Прошедшие выставки

Микеланджело Мерире де Караваджо (1571-1610)

Уникальное собрание копий картин Микеланджело Караваджо, итальянского художника семнадцатого века, привезли в Димитровград впервые. Главными темами художника стали Новый Завет, сцены из жизни Божьей Матери и Святых. При всём его интересе к окружающей действительности, христианские сюжеты оказались основной сферой его творчества, несмотря на обращение к новым видам живописи – бытовым картинам и натюрморту. Он отказался от принципа прямого освещения всей картины и создал другой, когда свет воплощает символическое значение откровения, когда тени кажутся более чёткими и выразительными.

Винсент Ван Гог (1853-1890)
Голландский живописец, рисовальщик, офортист и литограф, один из крупнейших представителей постимпрессионизма. Для его живописи характерна экспрессивная, напряженная манера, динамичный мазки, задающие ритм изображениям, уникальный язык цвета, имеющий эмоциональное и символическое звучание.Свобода самовыражения Ван Гога оказала решающее влияние на дальнейшее развитие живописи. До двадцати семи лет Ван Гог не был художником, но каждое событие этого периода жизни были ступенями к его будущему творчеству; ни одно мгновение жизни не безразличны для становления будущего художника. Искусство Ван Гога потаенно вызревало до того, как он впервые взял в руки кисть.Ван Гог отдал своему искусству такой заряд духовной энергии, который не пропадает, а переживает длительный процесс обратного превращения в энергию жизни.
Джотто (1266/1267 — 1337)
Джотто ди Бондоне- итальянский художник периода Раннего Возрождения (Проторенессанса). С именем Джотто связан поворот в развитии живописи, ее разрыв со средневековыми художественными канонами и традициями итало-византийского искусства. Джотто впервые после средневековых мастеров добился того, что фрески утратили исконный характер, они не ориентированы на зрителя как молельный образ, но представляет событие, произошедшее само по себе. Исполненные сдержанности и достоинства герои его произведений отражают становление представлений о ценности человеческой личности и земного бытия.В истории европейского искусства он считается новатором, привнесшим а живопись черты реализма.Многолетняя деятельность Джотто познала престиж живописи среди других искусств. Созданная им новая художественная манера предопределила классический стиль Высокого Возрождения и явилась достоянием европейского искусства, которое на протяжении веков со все возрастающим интересом обращалось к изобретательной культуре итальянцев.
Питер Пауль Рубенс (1577 — 1640)
Великий живописец и рисовальщик, возглавивший фламандскую художественную школу эпохи барокко, творчество которого стало основополагающим в развитии национального искусства Фландрии, оказав огромное влияние на развитие всей европейской живописи. Всесторонне одаренный, Рубенс проявил себя и как ученый- гуманист, талантливый филолог, коллекционер, дипломат.Творческий диапазон мастера чрезвычайно широк: монументально-декорационные композиции на темы Ветхого и Нового заветов, сцены из античной мифологии, исторический, бытовой жанр, портрет, пейзаж. В лучших работах Рубенса ощутима реалистическая основа — стремление к чувственному, полнокровному, жизнеутверждающему восприятию мира и человека.Творчество художника поражает разнообразием и динамикой композиционный решений, интенсивностью чувств и патетикой жестов, красочной яркостью цветовых сочетаний. Его работы пронизаны живым и мощным ощущением натуры и неистощимой фантазией.
Светлана Кочергина, «По образу и подобию».

Светлана Кочергина закончила художественно-графический факультет Башкирского государственного педагогического института в Уфе, имеет десятилетний стаж художника-педагога. Работы художницы с успехом экспонировались в Уфе, Ульяновске, Самаре. Участница димитровградского творческого объединения «Изограф». Неоднократно представляла свои произведения на родине. В 2000 году в Димитровграде с успехом прошла ее первая персональная выставка.

В настоящее время основная деятельность Светланы Кочергиной видеопроизводство. Как арт-директор она руководит видеостудией «Д-Арт Профи». В октябре 2005 года Светлана возглавила жюри международного фестиваля горных и приключенческих фильмов в Словакии.

Жан Оноре Фрагонар (1732— 1806) был одним из крупнейших европейских живописцев XVIII века и выразителем весьма ценимого на мировом рынке «французского духа».

Фрагонар – наиболее интересный и талантливый представитель последнего периода стиля рококо, обладавший живой фантазией, огромным творческим темпераментом, неиссякаемой любовью к своему делу, оставил большое и не вполне ещё изученное творческое наследие, поражающее своей разнохарактерностью. Фрагонар писал жанровые, обычно веселые и легкомысленные любовные сценки, картины, в которых воспевал счастье больших многодетных семей, реалистические, скромные пейзажи, полуфантастические портреты, по технике предвещающие импрессионизм.

Любимец богатых заказчиков, Фрагонар легко и охотно подчинялся их вкусам, создавал блестящие и нарядные картины, но, оставаясь сыном своего времени, современником просветителей, он не мог не иметь в своем творчестве новых черт, связанных с изменениями, имевшими место в культуре предреволюционной.

Искусство Фрагонара отражает самые разные поиски и сомнения той эпохи – от Версаля времени Людовика ХV до наполеоновского Парижа.

Персональная выставка
В.Я.Котовой «Палитра души».

«Кто сказал, что люди пишут красками?
Пользуются красками, а пишут чувствами»

Жан Батист Симеон Шарден

Привет вам, Люди, идущие мне навстречу, оставляющие След на моем Пути…

Я выхожу из дома посмотреть на небо, звезды, цветы, листья… Выхожу, вижу вас и, значит, многое мы увидим вместе… Я назвала свою выставку «Палитра души», потому что это краски внутреннего мира, богатство впечатлений и мудрость знаний. Как же здорово, когда можно выразить красками то, что на душе и поделиться с друзьями.

О себе. Я по образованию инженер. Художественное образование получила в изостудии для взрослых. Училась у замечательных художников Димитровграда, брала частные уроки. Тогда же увлеклась батиком. Самостоятельно изучала и осваивала секреты росписи шелка.

Счастлива, что открыла для себя радость творчества. Получаю огромное наслаждение от самореализации. Член городского творческого объединения «Изограф». Постоянный участник городских выставок. Работы находятся у частных лиц в России, Беларуси, Украине, Латвии, Австралии, США.

Ленардо да Винчи (1452-1519) — итальянский художник эпохи Возрождения, знаменит как величайшая личность, многогранный гений. Его реалистическое искусство основывалось на знании математики, перспективы, анатомии и светотеневой моделировки. Для Леонардо да Винчи искусство и наука неразрывно связаны. Первое место среди искусств он отводил живописи, понимая её как универсальное средство, подобное математике в науке. Мастер произвёл переворот в живописи, вместо белого фона использовав тёмный для придания изображению объёмности. Им первым применён принцип «воздушной перспективы» — изменение цвета пейзажа в зависимости от глубины изображения, затуманенного атмосферой, и техники сфумато — неуловимой градации оттенков, приводящей к размыву контуров и приданию некой таинственности картинам. Леонардо да Винчи изобрёл приём, ставший основой живописной композиции эпохи Возрождения — группировки фигур в пирамиды, первым овладел искусством света и тени.

«Благовещение» — первое живописное произведение Леонардо. Ветка лилий в руке ангела Гавриила символизирует идею создания и зарождения. Святая дева радостно-удивлённо слушает ангела.

«Дама с горностаем» — это портрет Чечилии Галлерани, фаворитки герцога Лодовико Сфорца и мать его сына. Она была хороша собой, образованна, восхитительно играла на арфе.

«Джоконда» — самая известная картина Леонардо да Винчи. Этот шедевр не избежал разрушительного действия времени и повреждений, нанесённых руками неумелых реставраторов. Картину невозможно описать словами. Чем дольше вы смотрите на неё, тем больше возрастает её воздействие на вас, и вы начинаете чувствовать то удивительное очарование, которое покоряло стольких людей на протяжении веков. Кажется, что это не портрет, а живая женщина.

«Мадонна в скалах». Картина воплощает тему непорочного зачатия, напоминает ренессансное окно, мир за этим окном полон глубокого таинственного очарования.

«Тайная вечеря» — фреска, выполненная на стене трапезной монастыря Санта-Мария делла Грацие по заказу герцога Лодовико Сфорца.

Клод Моне (1840-1926) — основоположник импрессионизма, направления живописи, возникшего в последней трети девятнадцатого века. Художники импрессионисты стремились запечатлеть свои тонкие зрительные ощущения и передать свои впечатления на полотнах. Возникновение фотографии позволило художникам искать новые выразительные средства в противовес академической живописи, требующей выполнения определённых канонов (в частности, использовать мифологические и библейские сюжеты). Художественная одарённость Моне проявилась в годы учёбы в колледже Гавра, где он с семьёй жил с 1845 по 1858 годы. Он рисовал карикатуры на знатных горожан. Эти работы, выполненные карандашом и углём, рано привлекли внимание жителей города.

В 1858 году Моне встречается с художником-пейзажистом Буденом, от которого получил первые навыки живописи на открытом воздухе. В 1859 году родители послали его в Париж, чтоб он продолжил их дело. Но от твёрдо решил стать художником. Он учился в академии Сюисса и общался с Делакруа и Курбе, познакомился с Писсаро. Посещал парижские салоны, где мог оценить творчество Труайона, представителя барбизонской школы. С 1860 года Клод Моне проходит военную службу в Алжире, а через 2 года возвращается из-за болезни во Францию. В 1862-м начинается новая творческая жизнь Моне, отец соглашается поддержать сына материально. Моне занимался в школе Глеера, где познакомился с Ренуаром, Базилем и Сислеем, скоро ставшими его близкими друзьями. Они вместе писали этюды, часто выезжая в лес Фонтебло.

Каждые два года во Дворце Промышленности проводилась официальная выставка полотен французских художников. Отбором картин занималось жюри, состоявшим из приверженцев академического направления в живописи. Для молодых художников участие в выставках считалось жизненно важным. Если жюри отбирало их работы, они имели возможность продавать картины музеям и государственным учреждениям. В 1863-м году на суд жюри представили тысячи полотен, многие из которых были отвергнуты. Тогда Наполеон III пожелал ознакомиться с непризнанными картинами. После этого он распорядился организовать отдельную выставку, которую назвали «Салон отверженных». Отвергнутые мастера смогли показать французам свои творения. Выставленные картины Эдуарда Мане в 1863-м году в Салоне отверженных оказали огромное влияние на Клода Моне.

В 1865-м Моне впервые представил два морских пейзажа, которые имели огромный успех. Неожиданная популярность явилась стимулом для живописца, толчком для работы. Моне посвящает себя тому, что называл «экспериментами со светом и цветом».

Через многие годы бедности и отчаяния Клод Моне получил всеобщее признание и материальный достаток, смог приобрести усадьбу, рассадить цветы, устроить пруд, развести водяные лилии и построить деревянный мостик и обсадить пруд разными экзотическими деревьями.

Клод Моне первым стал писать одни и те же объекты в разное время суток и года, отражая на своих полотнах меняющуюся игру света (стога, тополя, Руанский собор). Писал мастер до последнего года своей жизни, так как всегда был не удовлетворён своими картинами.

Жан Оноре Фрагонар (1732— 1806) был одним из крупнейших европейских живописцев XVIII века и выразителем весьма ценимого на мировом рынке «французского духа».

Фрагонар – наиболее интересный и талантливый представитель последнего периода стиля рококо, обладавший живой фантазией, огромным творческим темпераментом, неиссякаемой любовью к своему делу, оставил большое и не вполне ещё изученное творческое наследие, поражающее своей разнохарактерностью. Фрагонар писал жанровые, обычно веселые и легкомысленные любовные сценки, картины, в которых воспевал счастье больших многодетных семей, реалистические, скромные пейзажи, полуфантастические портреты, по технике предвещающие импрессионизм.

Любимец богатых заказчиков, Фрагонар легко и охотно подчинялся их вкусам, создавал блестящие и нарядные картины, но, оставаясь сыном своего времени, современником просветителей, он не мог не иметь в своем творчестве новых черт, связанных с изменениями, имевшими место в культуре предреволюционной.

Искусство Фрагонара отражает самые разные поиски и сомнения той эпохи – от Версаля времени Людовика ХV до наполеоновского Парижа.

Храмы России

На выставке представлены монастыри и храмы «Золотого кольца» древнерусских городов Ярославля, Переславль-Залеского, Углича, Ростова Великого, Костромы, придающие неповторимый величественный облик нашим городам и селам. В архитектуре храмов соединились характерные черты древнерусского и византийского зодчества. После монголо-татарского нашествия в ней появились восточные элементы – изменилась форма куполов, появились арки и др.

Ярославль – жемчужина древнерусских городов. Основанный Ярославом Мудрым, в ХVII веке стал вторым городом России. Здесь находится Спасо-Преображенский монастырь, собор которого служил усыпальницей князей. В Ярославле в центре города находится церковь Ильи Пророка, главное её украшение – фрески.

Переславль-Залесский расположился в 100 км от Москвы. Здесь родился Александр Невский. В городе множество монастырей.

Углич – древний город на Волге, основан в 937 году. В 1951 году в Угличе погиб царевич Дмитрий, сын Ивана Грозного. На берегу Волги расположен большой архитектурный ансамбль – кремль, по сторонам палат стоят два храма – церковь царевича Дмитрия на крови и Спасо-Преображенский собор.

Ростов Великий. Здесь находится Спасо – Иаковлевский монастырь, расположен на берегу озера Неро, основан в ХIV веке. Старейшая постройка – Зачатьевская церковь, пятиглавая с тремя апсидами, без богатого декоративного убранства. Внутри сохранились фрески – высокий образец монументального искусства ХVII века.

Кострома основана в 1152 году Юрием Долгоруким. В Костроме расположен объединенный историко-архитектурный музей-заповедник Ипатьевский монастырь, Троицкий собор. Величайшая святыня Костромской земли — Феодоровская икона Божьей матери, ее с собой в орду брал благоверный князь Александр Невский. Здесь усыпальница рода Годуновых.

Свято-Троицкий Серафимо-Дивеевский женский монастырь занимает среди российских обителей особое место. Основан во второй половине 18 века монахиней Александрой на месте, указанном ей в видении Пресвятой Богородицей. Перед смертью основательница обители была пострижена в великую схиму. Духовником по её просьбе старцы назвали сестрам молодого еще тогда иеродиакона Саровского монастыря отца Серафима. Им в 1825 году была основана еще одна обитель в селе Дивеево по велению Божьей матери, явившейся преподобному Серафиму. Тогда же здесь забил источник, получивший его имя. В девичьей обители были возведены храм и построена мельница. В 1842 году Мельничная община была объединена с первоначальной обителью. В 1927 году Серафимо-Дивеевская обитель перестала действовать. Были снесены некоторые купола, разрушена каменная ограда монастыря, уничтожено кладбище и Преображенский кладбищенский храм. В июле 1991 года женский монастырь был вновь открыт. Реставрируются храмы, благоустраивается территория обители. Центром духовной жизни остается Троицкий собор с великой святыней — святыми мощами преподобного Серафима Саровского.

Огюст Ренуар (1841-1919) родился в городе Лемож шестым ребёнком в семье небогатого портного. В 1844-м семья переехала в Париж. Маленький Огюст поступает в церковный хор, его голос оказался настолько хорош, что регент хора Шарль Гуно посоветовал родителям учить сына музыке. В это же время у мальчика проявились способности к рисованию. Уже с 13-ти лет он начал помогать родителям, поступив в фарфоровую мастерскую, где под руководством мастера расписывал фарфоровую посуду. Когда мастерскую закрыли, он стал расписывать шторы и веера. Ежедневно в обеденный перерыв Огюст посещал Лувр.

Он решает стать художником и поступает в филиал школы изящных искусств, которым руководил Глеер. Здесь он знакомится с Клодом Моне, Сислеем и Базилем, с которыми он пишет на открытом воздухе. Как и Клод Моне, Ренуар работал над цветом и игрой света на воде. Долгое время работы молодых художников не признавались. Чтобы выжить, Ренуар пишет портреты на заказ, едва сводя концы с концами. Его поддерживают богатые друзья Базиль и Сислей. В 1870-71 годах он служит в армии.

Знакомство с книгоиздателем Жоржем Шарпантье и его супругой вводит художника в общество знаменитостей (Золя, Дега, Масне и др.). С этих пор он начинает получать заказы на портреты. В 1883 г. происходит перелом в творчестве художника. После посещения Италии и знакомства с творчеством художников эпохи Возрождения Ренуар приходит к выводу, что он не умеет рисовать и начинает работать над графикой, забросив цвет. Его излюбленные темы — это портреты детей и обнажённая натура, которые он писал в перламутровых тонах.

К концу 19-го века он получил всеобщее признание, стал кавалером почётного легиона, женился на Алис, с которой уже 10 лет был знаком и имел от неё сына. Впоследствии у них родилось ещё двое сыновей, младший, Клод, стал любимой натурой отца. В последние годы Ренуара мучил ревматизм, но не смотря на это он неистово работал. В 1917-м году его картина «Зонтики» была выставлена в Лондонской галерее. Английские художники прислали ему приветственную телеграмму: «Мы гордимся, что вы наш современник». В конце жизни Ренуар заметил: «Что ни говорите, а я — счастливый человек!»

Женский образ — одна из центральных тем в живописи. Муза — вдохновительница, мать и сестра, хранительница семейного очага, воплощение грации и красоты, такой предстаёт женщина на полотнах русских художников И. Аргунова, В. Боровиковского, К. Брюллова, И. Крамского, Д. Левицкого и др. Перед нами предстают необыкновенно одухотворенные лики женщин далекого прошлого. Художники сохранили их для нас, и мы можем любоваться «Неизвестной» И. Крамского, «М.Лопухиной» В. Боровиковского, «Всадницей» К. Брюллова и многими другими.

В эпоху Возрождения идеалы красоты, добра и истины нередко воплощались в женских образах. При этом красота внешняя, физическая не является самоценной, а есть проявление внутренней духовной красоты. Именно женщина способна украсить, наполнить повседневную жизнь гармонией прекрасного. Духовная красота невидимыми лучами проникает в близких ей людей и окружающий её мир, разжигая в них огонь духа, возвышенной и самоотверженной любви.
Портреты, представленные на этой выставке, написаны гениальными художниками, сумевшими выразить очарование и женственность, тонкость чувств и радость вдохновения своих моделей. Вы можете увидеть Джоконду, Даму с горностаем, Даму с единорогом, Донну Велату великого Леонардо да Винчи, Юдифь кисти Джорджоне, женские образы, созданные Рембрандтом, Ян ван Ейком, Рубенсом, Ван Дейком и другими знаменитыми художниками.

Выставка Н. Рериха — поэзия цвета и ритма, поражает сочными, яркими красками, вселенским маштабом изображаемого, глубоким философским содержанием, строгой красотой древнерусских храмов, величием снежных вершин Гималаев.

Франсиско Гойя (1746-1828) – испанский художник, о молодости которого и образовании ничего почти не известно. В 1767 г. он отправился в путешествие в Италию, вернулся в 1771 г. После этого писал фрески для церквей, почти 20 лет по заказу Королевской мануфактуры выполнял картоны для ковров с насыщенными по цвету и непринужденными по композиции сценами из повседневной жизни, которые были пронизаны любовью к жизни и естественной красотой. С начала 80-х годов Гойя получил известность как портретист. Его портреты выполнены в звучной, тонко разработанной цветовой гамме, фигуры и предметы в них как бы растворяются в лёгкой дымке. С большим мастерством художник передает внутренний мир персонажей – жадность, тщеславие, пустота. С удивительной обличительной силой неприкрашенной правды запечатлевает художник надменную торжественность и уродство королевской семьи в групповом портрете «Семья Карла IV». Ароматом тайны и скрытой чувственности окутан образ женщины в картинах «Маха одетая» и «Маха обнаженная». В 1792 году Гойя серьезно заболел, оставшись глухим на всю жизнь. Отныне он будет ощущать вокруг себя то безрассудство и тот порок, которые обнаружил в самом себе.

Эпоха Возрождения подарила миру плеяду одаренных живописцев, работавших в области архитектуры, скульптуры, часто совмещая увлечение литературой, поэзией, философией и точными науками. Среди них ярко блистает звезда Боттичелли.
Алессандро Филипепи, прозванный Боттичелли, работал при дворе правителя Флоренции Лоренцо Медичи. Его творчество насыщено особой гармонией – в её основе стремление к созданию образа мира, наделенного возвышенной идеальной красотой, очищенной от всего несовершенного. В работах Боттичелли чувствуется неповторимость манеры, тонкая нервная вибрация линий и творческая субъективность, которая была чужда искусству Возрождения. Выдающийся мастер колорита, он строит цветовую гамму своих работ на тонких нюансах прозрачных красок, на мелодии цветовых переливов.
Наиболее известные его картины: «Весна», «Рождение Венеры», «Мадонна с гранатом», а также ряд картин на библейские сюжеты, которые представлены на нашей выставке.

Живопись польских художников представлена разнообразными жанрами: историческим, бытовым, пейзажным, портретным, и созданная в академическом стиле. Центральное место в экспозиции занимает картина знаменитого польского художника Яна Матейко «Грюнвальдская битва»,изображающая решающий момент боя между объединенными войсками литовцев, поляков, русских и татар и рыцарями тевтонского ордена. В годы второй мировой войны фашисты охотились за этим полотном, чтоб уничтожить его — им нетерпимо было напоминание о поражении тевтонских рыцарей, ведь они считали себя их потомками.

Фотокартины отца Владимира из пос. Смышляевка рассказывают о природе Поволжья, её неповторимой красоте, о фантастических красках восходов и закатов нашего светила Солнца, о преображении каждого кустика, каждого листочка под благодатными его лучами. Отец Владимир — настоящий подвижник и наш давний друг. Третий раз выставляет свои фотопейзажи у нас в городе. Будучи настоятелем храма Святителя Николая — чудотворца в Смышляевке, он проводит большую работу с молодежью — организует туристические походы и поездки с прихожанами, организует выставки своих фотокартин в школах, различных учреждениях, в том числе и в исправительных, вместе со своими прихожанами он построил храм и восстановил рядом стоящий разрушенный, рассадил алые розы вокруг, очистил и облагородил пруд возле церкви, помог построить детский сад в поселке. На плечах таких людей держится матушка — Земля.

Открытие выставок «Французский классицизм», «И.И. Шишкин», фотовыставки «Индия» и «Жигули»

Французский классицизм

Классицизм в живописи – это, прежде всего, сочетание античного наследия с современным художнику миром.

Родиной классицизма является Франция. Именно здесь закладывались основные принципы и идеалы этого направления. Новая философия требовала своего выражения в искусстве, доступном обществу. Живопись обращается к пропорциям и сюжетам античности, перенося зрителя из привычного окружения в другой мир. Здесь постоянно противопоставляется разум человека силе природы, личное – общественному.

В полотнах отражен героический пафос античности, увеличенный и выведенный на первый план позами, красками светотенью.

И.И. Шишкин (1832-1898 гг.)

Иван Иванович Шишкин, пожалуй, самый знаменитый русский художник – пейзажист. Лесным богатырем, лесным царем, мастером валёра называли И. И. Шишкина. Статный, сильный (одной рукой поднимал гирю весом 10 пудов), с правильными чертами лица, синими глазами и темными кудрявыми волосами он излучал силу и добродушие, за всю жизнь не произнес грубого слова, не возвысил голоса, миролюбивый, по его же выражению, мог стать горячим лишь в случае крайней необходимости. Через всю жизнь пронес художник любовь к родной природе, воспевая ее величие и красоту в своих полотнах. При всей детализации, в которой его часто упрекали, его картины сохраняют целостный образ. И. И. Шишкин много размышлял над творческими задачами художника. Рассматривая даже малую частицу, будь то травинка или цветочек, как отражение единого целого, он приближает нас к природе, к осознанию ее красоты и совершенства… подробнее >>

Индия

Индия – одна из немногих стран, которая сохранила свою цивилизацию, обычаи и традиции с древнейших времен, впитывая лучшее от многочисленных завоевателей, но оставляя свое исконное. Здесь находятся великие творения Моголов – мусульманских владык: Ред Форт и Кутуб Минар со своей знаменитой железной колонной в Дели, Фатехпур-Сикри — столица императора Акбара и Тадж Махал в Агре, постройки Джайпура — столицы штата Раджастан. Великолепные сооружения мусульманских завоевателей соперничают по своему величию, изяществу и красоте с такими чисто индийскими шедеврами как храм любви в Кхаджурахо (штат Мадья Прадеш) и храм в Пури (штат Орисса). Путешественники со всех концов света стремятся увидеть шедевры древней и средневековой архитектуры, сохранившейся до наших дней.

Жигули

Я вынес из впечатлений моей жизни глубокое убеждение, что прекрасный ландшафт имеет такое воспитательное влияние на развитие молодой души, с которым трудно соперничать влиянию педагога.
Константин Ушинский

По-прежнему самым живописным местом на Волге остаются Жигулевские горы. Здесь река причудливо изгибается петлей, образуя излучину Самарской Луки протяженностью 220 километров. Нельзя не восхищаться их удивительной красотой. При небольшой высоте они имеют облик «горной страны» в миниатюре. Многие вершины венчают скалистые утесы. Жигули круто обрываются к Волге и полого спускаются к югу, переходя в платообразную возвышенность. Жигулевская гряда, разделенная долинами и оврагами на отдельные массивы, протянулась вдоль правого берега Волги на 70 километров. Жигули воспеты в песнях, преданиях и былинах.

Голландская и фламандская живопись

История любой страны получает отражение в ее художественном творчестве — это особенно очевидно в отношении искусства Северных Нидерландов, ставших в 1579 г. независимыми от Испании. Теперь это Голландия. Расцвет художественного творчества, связанный с обретением страной независимости, может достигнуть разного уровня, но то, что произошло в Голландии ХVII века, а это был золотой век голландского искусства, — поистине необычайно.

Культура Голландии XVII века проникнута пафосом социального и духовного обновления, и в поле зрения художников — реальная жизненная обстановка и природа, человеческий образ. Система жанров в живописи отличалась поразительной разветвленностью и разнообразием.

Во фламандской живописи были талантливые маринисты, художники архитектурных видов и натюрмортов. Кабинетная живопись — специфический фламандский жанр, представители которого воссоздавали коллекции антверпенских любителей искусства. Живопись архитектурных видов как самостоятельное направление сформировалось в середине ХVII в. Одни художники изображали городские улицы и площади, другие писали внутренние виды церквей и дворцов. ХVII в. также великий век натюрморта в Голландии — поражает богатством этой жанровой тематики.

Голландским живописцам свойственно тонкое чувство цвета и светотени. Свет в их картинах играет главную роль. Крупнейшим художником своего времени стал Рембрандт — в его творчестве голландская живопись XVII века достигла величайшей вершины.

Блестящий период голландской живописи продолжался недолго — лишь одно столетие. С началом ХVIII века начинается её упадок, поскольку в голландском обществе с установлением французских вкусов и воззрений всё более слабеет национальное самосознание.

Фламандская живопись к началу XVII века в эпоху её отделения от голландской представляла собой в основном подражание итальянским мастерам с примесью грубого реализма. Питер Пауль Рубенс (1577-1640) явился гением, вдохнувшим новую энергию и ставший родоначальником блестящего, оригинального живописного стиля, процветавшего целое столетие — барокко, отличающегося свободой композиции, широкой техникой, светоносным блестящим колоритом, проникнутого движением.

Вскоре вокруг обновителя фламандской живописи собрались ученики, среди которых самым выдающимся был Антонис Ван Дейк (1599-1641). Он выработал свой особый, аристократический по духу стиль портретной живописи, имевший огромный успех у английских и фламандских портретистов.

Среди последователей Рубенса самое видное место занимает Якоб Йорданс (1593-1678), отличавшийся верностью рисунку и тщательностью исполнения.

Вместе с Рубенсом трудился и Ян Брейгель (1568-1625), прозванный Бархатным за необыкновенное изящество живописи. Он был первым значительным фламандским мастером в жанре натюрморта.

Фотопейзажи Германии. Бавария, Мюнхен, Нюрнберг, Берлин, Дрезден, Замки Баварии

Фотовыставка «Германия» проведет вас туристическими маршрутами этой страны и ознакомит с её достопримечательностями: дворцами и площадями, домом гениального немецкого художника Эпохи Возрождения Альбрехта Дюрера, замками «сказочного» короля Баварии Людвига II.

Самый сказочный из них Нойшванштайн, что в переводе – Новая лебединая скала. Замок расположен недалеко от города Фюссен на высоком холме, с которого открывается величественная панорама красивейших долины и гор. Основание замка было заложено 5.09.1869 года и строительство его продолжалось долгие годы.

Людвиг II был большим почитателем культуры и искусства и поклонником музыки Рихарда Вагнера, которую впервые услышал в 18 лет в день своего рождения, и которая потрясла его до глубины души. Поэтому интерьеры многих залов замка пропитаны атмосферой вагнеровских опер. Зал певцов, занимающий весь четвертый этаж, украшен персонажами из этих опер, как и третий ярус замка. До самой смерти композитора Людвиг II оказывал ему материальную помощь, в которой Вагнер так нуждался.

Хотя Нойшванштайн выглядел как средневековый замок, внутри он был оборудован в соответствии с достижениями своего века.

Романтический замок Нойшванштайн, невдалеке от которого расположено озеро Швенгее (Лебединое), стал излюбленной резиденцией короля Людвига II.

Здесь побывал великий русский композитор П.И. Чайковский. Красота замка и окружающей природы вдохновила его на создание настоящего шедевра – балета «Лебединое озеро».

Другим интересным туристическим объектом является дом знаменитого немецкого художника, гения северного Возрождения Альбрехта Дюрера, который соединил идеи итальянского Ренессанса с традициями средневековой германской культуры. Ему было подвластно всё: гравюра, масляная и акварельная живопись. Он был замечательным рисовальщиком. В 1509 году он купил в родном Нюрнберге большой дом, который сохранился до наших дней. Сейчас в нем расположен музей, носящий имя художника. Здесь устраиваются выставки, проводятся концерты и представления со сценками из жизни 16-го века, а экскурсии проводит актриса в роли Агнесс – жены художника.

Другие архитектурные сооружения Мюнхена, Дрездена и Берлина порадуют гармонией и совершенством.

Углач Виктор Александрович, город Ульяновск. Персональная выставка (техника «мокрая» акварель)
«Мокрая» акварель – совершенно особенная техника написания картин. Чудесные акварели — легкие, прозрачные, передающие свежесть воздуха, особенную трогательность природы, беззащитность утра, насыщенный пряностями восточный жаркий ветер или парящие в свежем утре купола церквей — каждая по-своему ласкает глаз, вносит в наши сердца мир, покой и умиротворение.
«Я много времени провожу на природе и нахожусь в постоянном диалоге с ней, поэтому остро чувствую дух, ее исцеляющие силы.
Я работаю также в стиле монументальной росписи, портретном жанре, исторической жанровой картине.»

Углач В.А.
Углач Виктор Александрович родился 1 сентября 1953 г. в г. Ташкенте. В 1976 г. закончил Ташкентское художественное училище им. П. П. Бенькова по специальности художник-декоратор. По окончании работал в государственном большом театре оперы и балета им. Навои, позднее в художественном комбинате «Рассом» г. Ташкента.С 1978 года неоднократный участник республиканских, всесоюзных, всероссийских и международных выставок. С 1990 года член Союза художников Советского Союза, позднее России.

С 1994 года живет в г. Ульяновске и является членом организации союза художников г. Ульяновска.

Работает в стиле реализма, сюрреализма, монументальной росписи, а так же в технике акварели, портретном жанре, исторической жанровой картине. В составе различных творческих Акварельных экспедиций в азиатские города Самарканд, Бухара, Хива, Муйнак (1986-87), позднее Енисей, Ангара (1988), Золотое кольцо России (2008) были выполнены серии акварельных и масляных работ.

С 1993 по 2006 г. г. работал в художественной галерее «Престиж» г. Солонки (Греция). В это время посетил в творческих поездках Афон-Агиорос, Святые Метеоры, русский монастырь св. Пантелеймона.

С 2007 года выполнен ряд исторических монументальных работ в Ульяновском государственном техническом университете (выдающиеся люди науки, культуры, и искусства XVII-XVIII веков).
Работы художника находятся в государственном музее искусств (г. Ташкент), художественной галерее г. Ургенча (г. Хива), в галереях и частных коллекциях России, США, Израиля, Ирана, Германии, Швейцарии, Польши, Голландии, Греции, Англии, Чехословакии и др. странах.